2018, le migliori opere d’arte pubblica secondo UAP

Cosa troverete: un carretto di vendita hot dog messo all’ingrasso; mezza faccia di Trump schiacciata in un marciapiede; un cumulo di barili a spasso per il Serpentine Lake di Londra; una casetta coreana appesa a un passaggio sopraelevato; una barca camuffata nel porto di New YorK; un’esposizione di bandiere aborigene all’aeroporto di Sydney; un arcobaleno di ironia nella metro di Londra; un castello che si specchia nell’acqua della Danimarca & more…

Per il terzo anno consecutivo, lo studio di progettazione artistica UAP, che ha contribuito a rendere possibili progetti di grande impatto quali “Arch: Good Fences Make Good Neighbors” di Ai Weiwei e un hotel progettato da Zaha Hadid in Cina, ha stilato una lista delle più interessanti opere di arte pubblica realizzate nell’anno. Sono state messe in evidenza 12 opere con l’aiuto di curatori internazionali. Eccole.

Rirkrit Tiravanija, Untitled 2018 The Infinite Dimensions of Smallness, Singapore

Rirkrit Tiravanija, Untitled 2018 The Infinite Dimensions of Smallness, Singapore
Rirkrit Tiravanija, Untitled 2018 The Infinite Dimensions of Smallness, Singapore

Questa installazione site-specific commissionata per il Ng Teng Fong Roof Garden presso la National Gallery di Singapore, fa riferimento sia alla specificità regionale della città che allo status di hub internazionale. Situato nel centro di Singapore e incorniciando lo skyline urbano, la struttura di bambù su larga scala di Rirkrit Tiravanija funge da confine labirintico e poroso tra il suo ambiente pubblico e i rituali intimi di una casa da tè giapponese situata nel centro. Utilizzato come spazio per incontri privati ​​e di collaborazione, Tiravanija attinge all’architettura, al rituale e alla tradizione regionali per creare uno spazio che esemplifichi minuziosamente le sottili complessità della pratica artistica globalizzata e oggi socialmente impegnata. Ciò che l’artista descrive come “le infinite dimensioni della piccolezza” ha una vasta qualità poetica e riflessiva che attira il pubblico in un enigmatico intreccio di spazio e luogo elegantemente distaccato dal quotidiano.
Alexie Glass-Kantor, direttore esecutivo di Artspace a Sydney

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Callum Morton, Monument # 32 Helter Shelter, Sydney

Callum Morton's Monument # 32: Helter Shelter 2018 - Sydney Contemporary at Barangaroo
Callum Morton’s Monument # 32: Helter Shelter 2018 – Sydney Contemporary at Barangaroo

Il proverbio e la maledizione ‘puoi vivere in tempi interessanti’ arriva al fruitore nella scultura di Callum Morton, commissionata da Sydney Contemporary per il distretto di Barangaroo. In riferimento ai traumi sociali, culturali e politici che affliggono l’era di Trump, Morton evidenzia gli effetti a catena della presenza snervante del presidente degli Stati Uniti e costruisce un’installazione d’arte pubblica di attualità, politicamente carica. I passanti letteralmente si fermano quando scorgono gli inconfondibili tratti del presidente che emergono dal marciapiede, innestati in un mix di omaggio ai parchi a tema e architettura minore. Morton è una mano abile all’umorismo oscuro e questo lavoro gioca con la forma e la disfunzione: il fronte è una bravura di ritrattistica, mentre il rovescio è un rifugio scavato, che offre pochissima tregua dall’attuale gorgo della politica globale.
Alexie Glass-Kantor, direttore esecutivo di Artspace a Sydney

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Do Ho Suh, Bridging Home , Londra

Do Ho Suh, Bridging Home, 2018, London. Image courtesy of the artist, Victoria Miro Gallery, and Gautier Deblonde
Do Ho Suh, Bridging Home, 2018, London. Image courtesy of the artist, Victoria Miro Gallery, and Gautier Deblonde

Bridging Home dell’artista di origine coreano Do Ho Suh è un’opera d’arte profondamente intelligente. Descrive giustamente la tensione tra spazio pubblico e spazio privato nel senso che è contemporaneamente entrambe: una casa su una via pubblica. Installato su un ponte pedonale nel cuore di Londra, Bridging Home, una replica di una casa tradizionale coreana, fa parte di Sculpture in the City e Art Night, un’iniziativa annuale che commissiona opere site specific site in tutta la città. È incongruo e affascinante e illustra così perfettamente la sfumatura di ciò che definisce la “casa” vista dal punto di vista di un immigrato, che, alla luce delle grandi questioni che circondano la crisi mondiale dei rifugiati, è ancora più opportuna“.
Alison Kubler, curatrice

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Erwin Wurm, Hot Dog Bus, New York

Erwin Wurm, Hotdog Bus, New York City
Erwin Wurm, Hotdog Bus, New York City

Hot Dog Bus di Erwin Wurm, finanziato dal New York Public Art Fund, è senza dubbio una delle migliori opere d’arte dell’anno. Un commento estenuante sulla ghiottoneria e l’avidità, è anche un momento di gioia sfrenata. Il lavoro è così unicamente Wurm; Adoro l’idea che lo spettatore sia un partecipante disposto e colpevole nell’atto del consumo. Eppure, Hot Dog Bus è un’opera d’arte profondamente democratica; è intrisa di significati gravi e seri nello stesso tempo in cui invita a condividere un momento con gli altri e a “godersi” il momento. Rappresenta perfettamente la nozione di ciò che l’arte pubblica dovrebbe e potrebbe essere: inclusiva“.
Alison Kubler, curatrice

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Dorothy Iannone, I Lift My Lamp Beside the Golden Door, New York

Dorothy Iannone, I Lift My Lamp Beside the Golden Door, New York City
Dorothy Iannone, “I Lift My Lamp Beside the Golden Door,” 2014/2018. A High Line Commission. On view March 2018 – March 2019. Photo by Timothy Schenck

Adoro il lavoro dell’artista americana con base a Berlino Dorothy Iannone, ma raramente viene esposto a New York. E quando lo è, non è mai arte pubblica. Mi è sempre sembrato strano, dato che, come ha affermato Robert Filou, “il suo scopo non è che la liberazione umana”. Questo è in parte ciò che rende il murale di Iannone, commissionato dalla High Line, così eccitante. Si percepisce innegabilmente fresco, coraggioso, reattivo. Presenta tre versioni della Statua della Libertà e l’ultima riga del poema di Emma Lazarus “Il nuovo colosso” del 1883, che recita: “Alzo la mia lampada accanto alla porta d’oro”. Questa ode alla famosa statua diventa un semplice promemoria della storia del paese come luogo accogliente per coloro che avevano bisogno di una nuova casa e la realtà dello stato dell’immigrazione oggi.
Emma Enderby, senior curator di The Shed a New York

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Artisti vari, Biennale di Liverpool

Liverpool Biennial
Liverpool Biennial

La decima edizione della Biennale di Liverpool è stata una delle migliori finora. Ho selezionato la Biennale in quanto è una mostra in tutta la città, con tutte le opere gratuite e aperte al pubblico. È interessante pensare a come le biennali possono essere arte pubblica, agendo come mezzo essenziale per accedere gratuitamente all’arte. Nella Biennale di Liverpool di quest’anno, disseminata negli spazi pubblici della città, c’erano più di 40 artisti provenienti da 22 paesi, molti di quei in tumulto politico. La mostra rifletteva sulle crisi contemporanee, ma immaginava anche un mondo migliore. Per me, da segnalare il lavoro monumentale del suolo di Abbas Akhavan, che faceva riferimento a sculture antiche distrutte dall’ISIS; Agnès Varda, una delle uniche registe donne ad emergere dal movimento New Wave francese; e Mohamed Bourouissa, i cui due film in biennale sono sposati alla sua pratica basata sulla comunità“.
Emma Enderby, senior curator di The Shed a New York

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Archie Moore, United Neytions, Sydney

Archie Moore Sydney Airport Install
Archie Moore Sydney Airport Install

United Neytions è una nuova importante commissione all’aeroporto internazionale di Sydney, Terminal 1, che comprende 28 bandiere immaginate delle Prime Nazioni sospese su un atrio centrale. Moore, un artista aborigeno di Kamilaroi, riflette la diversità dell’Aboriginalità con oltre 280 gruppi linguistici in tutta l’Australia. Idealmente situate nell’aeroporto – un luogo di transito e mobilità – le sue opere pubbliche illustrano graficamente e gioiosamente un ‘benvenuto nel paese’, sottolineando l’immensità delle storie delle Prime Nazioni come custodi originali dell’Australia per oltre 60.000 anni.
Natalie King, curatrice

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David McDiarmid, Rainbow Aphorisms, Londra

David McDiarmid, Rainbow Aphorisms, London
David McDiarmid, Rainbow Aphorisms, London

L’attivista e affascinante Rainbow Aphorisms di David McDiarmid riappare, dopo la morte degli artisti per l’AIDS nel 1995, attraverso la metropolitana di South London, infiltrandosi nel panorama stradale e accostando i passanti. I suoi slogan spiritosi e abbaglianti trasmettono stridamente messaggi di identità e storie strane, sono urgenti e politicamente astuti come sempre. Frasi concise come “Non dimenticare di ricordare” e “Sono troppo sexy per le mie cellule T” sono incise su sfondi arcobaleno, ricordandoci sia della crisi dell’AIDS sia della pertinenza dell’inserimento nella società contemporanea“.
Natalie King, curatrice

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Christo e Jeanne-Claude, The London Mastaba , Londra

Christo and Jeanne-Claude, The London Mastaba, London
Christo and Jeanne-Claude, The London Mastaba, London

In contrasto con i tempi lunghi con cui sono stati realizzati molti progetti di Christo e Jeanne-Claude, The London Mastaba è stato relativamente veloce. Le sue origini, tuttavia, risalgono al passato. I barili di petrolio furono tra i primi oggetti che Christo avvolse o impilò da giovane artista emigrato a Parigi alla fine degli anni ’50, culminando nel suo Muro di barili di petrolio – Cortina di ferro, Rue Visconti, Parigi (1962). Era stupefacente vedere gli stessi oggetti funzionali e industriali completamente trasformati nel loro uso: dalla barriera urbana politicamente incurvata del 1962 alla massiccia e archetipica forma di Mastaba, resa apparentemente senza peso sull’acqua, abbagliante nei toni da sembrare caramelle luminose. Il lavoro tardivo di alcuni grandi artisti è oscuro e meditabondo; quello di Christo e Jeanne-Claude sembra un’ode alla gioia. È stata una gioia essere presenti alle Serpentine Galleries di Hyde Park quest’estate.
Nicholas Baume, direttore e capo curatore del Public Art Fund di New York

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The Mile-Long Opera, New York City (co-creato da Diller Scofidio + Renfro e David Lang, con testo di Anne Carson e Claudia Rankine; Coprodotto da Diller Scofidio + Renfro, la High Line e THE OFFICE performing arts + film)

The Mile-Long Opera, New York City (co-created by Diller Scofidio + Renfro and David Lang, with text by Anne Carson and Claudia Rankine. Co-produced by Diller Scofidio + Renfro, the Hig
The Mile-Long Opera, New York City (co-created by Diller Scofidio + Renfro and David Lang, with text by Anne Carson and Claudia Rankine. Co-produced by Diller Scofidio + Renfro, the Hig

Non è facile creare un’opera d’arte al tempo stesso epica e intima. Se pensiamo ai numeri, The Mile-Long Opera era di dimensioni monumentali: si svolgeva gradualmente, continuamente e cumulativamente lungo una vasta sezione della High Line, con 1.000 voci che cantavano a cappella ad un pubblico innumerevole di newyorkesi che scorreva, come i pellegrini in viaggio rituale di notte. Così l’evocazione operistica della vita urbana quotidiana è diventata un’esperienza attenuata, immersiva, diversa per tutti, dal momento che nessuno poteva avere la stessa esperienza di ogni cantante, ogni testo e ogni luogo allo stesso tempo. La collaborazione ispirata dell’architetto Liz Diller e del compositore David Lang, entrambi virtuosi nelle loro discipline, ha generato un nuovo modello di performance partecipativa e di esperienza del pubblico che ha dipinto un ritratto accattivante di una collettività notevolmente diversa, quella di New York.
Nicholas Baume, direttore e capo curatore del Public Art Fund di New York

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Tauba Auerbach, Flow Separation , New York

Tauba Auerbach, Flow Separation, New York City
Tauba Auerbach, Flow Separation, New York City

Il lavoro di trasformazione di Tauba Auerbach unisce la tecnica del camouflage dazzle inventata dal pittore britannico Norman Wilkinson durante la prima guerra mondiale per confondere sottomarini nemici, con dinamiche fluide e forme trovate nelle scie che gli oggetti lasciano mentre si muovono attraverso l’acqua. Il lavoro è allo stesso tempo ottico e delizioso, anche per gli spettatori che partecipano a gite in barca sul porto di New York a bordo della storica nave e tela dell’artigianato, il battello antincendio John J. Harvey. Il lavoro intreccia i concetti di coinvolgimento, interattività, Op art, tecnologia e innovazione, e allo stesso tempo si comporta come un omaggio alla fine della prima guerra mondiale (o la celebrazione della pace) in un modo inaspettato, memorabile e accessibile.
Natasha Smith e Ineke Dane, membri della stessa squadra curatoriale dell’UAP

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Olafur Eliasson, Fjordenhus , Fiordo di Vejle, Danimarca

Olafur Eliasson, Fjordenhus, Vejle Fjord, DenmarkOlafur Eliasson, Fjordenhus, Vejle Fjord, Denmark
Olafur Eliasson, Fjordenhus, Vejle Fjord, Denmark

L’artista danese-islandese di fama internazionale Olafur Eliasson ha completato il suo primo progetto architettonico, un quartier generale scultoreo nel fiordo di Vejle, in Danimarca. L’edificio è stato commissionato da Kirk Kapital, la holding e società di investimento dei tre fratelli discendenti diretti del fondatore di Lego. È il primo edificio interamente progettato dallo Studio Olafur Eliasson.
Il design dell’edificio getta la natura come un eroe attraverso la considerazione della luce naturale, del tempo, delle stagioni e del fiordo di Vejle stesso, con l’edificio situato sull’acqua all’interno della rinomata formazione geologica.
Non solo questo lavoro è considerato, ponderato e sorprendente dal punto di vista progettuale, è una poderosa testimonianza dell’abilità creativa e delle prove dell’attuale abbattimento delle barriere e delle definizioni percepite all’interno delle industrie creative, la categorizzazione dei mezzi e le pratiche continuano a confondersi e produrre risultati convincenti
“.
Natasha Smith e Ineke Dane, membri della stessa squadra curatoriale dell’UAP

Via artsy.net

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