2018, gli artisti più fecondi secondo Artsy

Come ogni fine anno che si rispetti, è giunto il momento di tirare le somme. Qualche giorno fa vi ho elencato le migliori opere d’arte pubblica secondo UAP, oggi parliamo invece di artisti con la selezione di Artsy, il sito di aste e vendita di opere online che pubblica tutta una serie di novità e articoli curiosi sul mondo dell’arte.
Per quanto mi riguarda, questo articolo è stato illuminante perché mi ha fatto conoscere nuovi artisti e approfondirne altri che già conoscevo, almeno per quanto riguarda le loro ultime imprese.
La lista comprenda degli artisti di indubbio valore sia per le opere in sé, sia per i temi che veicolano. I criteri di scelta si basano su mostre e progetti importanti ma anche su variazioni rilevanti del valore di mercato.
Ecco la lista. Se vi va fatemi sapere cosa ne pensate. Avreste fatto le stesse scelte?

Bruce Nauman (1941, Fort Wayne, Indiana) – Sede: Galisteo, New Mexico

Bruce Nauman, Image courtesy of Phaidon

“Come può un artista rimodellare le nostre percezioni del mondo e reimmaginare radicalmente i limiti dell’arte allo stesso tempo? La pratica di 50 anni straordinariamente inquieta e di ampio respiro di Bruce Nauman offre alcuni indizi. Dall’inizio della sua carriera, Nauman ha fondato la sua ricerca artistica sulle grandi domande: cosa significa essere un essere umano? Dov’è la verità? Chi detiene il potere?
Con il più piccolo dei gesti – dipingendo una foto del suo caffè del mattino versato, lasciando una macchina fotografica in esecuzione nel suo studio per 24 ore, o forgiando un’insegna al neon lampeggiante che alterna parole comuni – l’artista ha catturato l’estasi, il dolore e la profonda paura esistenziale di essere vivi. La retrospettiva in due parti dell’artista, che ha aperto allo Schaulager di Basilea, in Svizzera, all’inizio di quest’anno, e poi ha viaggiato al Museum of Modern Art e al MoMA PS1 di New York, ha ulteriormente canonizzato la reputazione di Nauman come i più influenti artisti contemporanei di tutti i tempi…”
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Judy Chicago (1939, Chicago, Illinois) – Sede: Belen, New Mexico

Judy Chicago

“Durante la sua carriera di quasi 60 anni, Judy Chicago ha lottato contro la privazione delle donne, sia nel mondo dell’arte che al di fuori di esso. I suoi grandi progetti – serie ambiziose raccolte per la prima volta nel sondaggio “Judy Chicago: A Reckoning”, ora all’Istituto di Arte Contemporanea di Miami – anticipano questioni di potere e privazione che sono ora al centro del movimento #MeToo.
Come giovane artista negli anni ’60, Chicago ha faticato a esprimere se stessa – e il suo lavoro – negli stretti confini della scena artistica dominata dagli uomini incentrata sulla Ferus Gallery di Los Angeles. Le esperienze di Chicago sull’esclusione misogina di questo circolo la spinsero a creare un nuovo mondo artistico che riflettesse le lotte e i contributi delle donne…”
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Cao Fei (1978, Guangzhou, Cina) – Sede: Pechino

Cao Fei

“Per almeno un decennio, Cao Fei è stata considerata una delle voci più importanti dei giovani provenienti dalla Cina, un’artista in grado di combinare una visione macro dei cambiamenti sismici nel paese dalla Rivoluzione Culturale con le sue esperienze personali crescendo nella città di Guangzhou, a nord-ovest di Hong Kong. Attraverso le comparse alle Serpentine Galleries di Londra, alla Biennale di Venezia, al MoMA PS1 di New York, al Center for Contemporary Art di Tel Aviv, K21 a Dusseldorf, e in numerosi altre sedi internazionali nel corso degli anni, Cao ha ricevuto consensi per i suoi video e installazioni multimediali che presentano narrazioni surreali, assurde o grottesche ambientate nella Cina postindustriale…”
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David Hockney (1937, Bradford, UK) – Sede: Los Angeles

David Hockney

“È ufficiale: David Hockney ha superato Jeff Koons diventando l’artista vivente più costoso del mondo, dopo il suo iconico Ritratto di un artista (Pool with Two Figures) (1972) venduto a Christie’s lo scorso novembre per 90,3 milioni di dollari, con commissioni. Hockney ha creato il dipinto dopo la fine di una relazione, e ci sono diverse interpretazioni su chi siano le due figure nel dipinto – se la figura vestita è Hockney che guarda attraverso le increspature di una piscina il suo ex amante che nuota, o il suo ex amante che guarda verso un nuovo partner romantico, o nulla a che fare con la loro rottura (come ha affermato il suo ex amante). Indipendentemente da ciò che rappresenta, il dipinto rappresenta due dei generi più celebri di Hockney: le sue piscine cristalline e i suoi doppi ritratti, che catturano rappresentazioni casuali ma audaci di individui che vibrano di connessioni psicologiche…”
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Tomás Saraceno (1973, San Miguel de Tucumán, Argentina) – Sede: Berlino

Tomàs Saraceno

“Mentre i palloncini a energia solare di Tomás Saraceno si librano in aria, così le ambizioni del suo lavoro continuano a espandersi. L’artista nato in Argentina ha sperimentato sculture galleggianti e forme di volo per anni – un esempio alla barocca Karlskirche di Vienna all’inizio di quest’anno. Due sfere piene d’aria fluttuano al di sopra dell’asse centrale dell’opulenta chiesa settecentesca, riflettendo agli astanti le sue superfici ornate. I gonfiabili sky-bound fanno parte del suo progetto Aerocene, avviato nel 2015, una collaborazione in corso tra Saraceno e altri artisti e scienziati. Il suo obiettivo è far progredire il volo senza combustibile fossile e ridurre l’impronta dell’umanità sul pianeta “[collaborando] con l’atmosfera”, come dice lui, e sfruttando l’energia del sole…”
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Maurizio Cattelan (1960, Padova, Italia) – Sede: New York

Maurizio Cattelan

“Dopo essersi “ritirato” dal mondo dell’arte nel 2011, dopo la sua retrospettiva-spettacolo al Guggenheim di quell’anno, Maurizio Cattelan è stato impegnato a dissolvere i confini tra arte e commercio, fondendo il suo concetto di alta moda con la fotografia. Toiletpaper, la rivista che ha fondato nel 2010 con il fotografo Pierpaolo Ferrari, ha raccolto un grande seguito e ha anche ricavato commissioni da aziende come OKCupid e Kenzo, cercando di dare ai loro marchi un volto nuovo con l’estetica surreale e ironica del duo italiano…”
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Takashi Murakami (1962, Tokyo, Giappone) – Sede: Tokyo

Takashi Murakami

“Verso la fine del 2018 – un anno in cui Takashi Murakami ha tenuto mostre personali a New York, Shanghai e Hong Kong, e ha collaborato con lo stilista Virgil Abloh in altre tre mostre nei punti vendita Gagosian a Londra, Parigi e Beverly Hills – l’artista ha invitato la sua amica Kanye West e sua moglie Kim Kardashian a visitare il suo studio nella periferia di Tokyo. Murakami ha pubblicato un’immagine di loro tre su Instagram, e improvvisamente è stata una notizia internazionale…”
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Joan Mitchell (1925, Chicago, Illinois – 1992, Parigi)

Painter Joan Mitchell in a Field (Photo by David Turnley/Corbis/VCG via Getty Images)

“A decenni dopo la sua morte nel 1992, Joan Mitchell rimane uno dei maggiori nomi del mondo dell’arte per le sue tele espressioniste astratte e la sua leggendaria e difficile personalità. Quest’anno il mercato di Mitchell è esploso: ha fatto notizia a maggio, quando la sua Blueberry del 1969 ha raggiunto $ 16,6 milioni all’asta (con commissioni) e stabilito un nuovo record d’asta per i suoi lavori. La tela presenta forme chiazzate di giallo e blu, galleggianti in un campo cremoso. Strutturato con strati complessi, la composizione è allegra e infinitamente complessa: ogni pennellata possiede il proprio carattere…”
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Simone Leigh (1967, Chicago, Illinois) – Sede: Brooklyn, New York

Simone Leigh

“Un sacco di idee artistiche per cambiare la prospettiva sul mondo, anzi Simone Leigh in realtà spera di guarirlo. L’artista multidisciplinare – che potrebbe essere meglio conosciuta per le sue ceramiche e per le sculture innovative – una volta creò una clinica gratuita per i residenti di Brooklyn (con yoga, pilates e screening dell’HIV) e offrì l’agopuntura e una meditazione guidata per Black Lives Matter al New Museum. Il lavoro di Leigh, a partire dal design, non è per tutti: crea consapevolmente l’arte avendo uno spettatore nero e femminile in mente. Le istituzioni americane hanno adattato la loro lingua e le loro dimostrazioni agli uomini bianchi per la maggior parte della storia; Il lavoro di Leigh coraggiosamente mina lo status quo…”
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Kerry James Marshall (1955, Birmingham, Alabama) – Sede: Chicago

Kerry James Marshall

“L’ultimo lavoro di Kerry James Marshall mostra che è nel suo massimo e non ha paura di muoversi in nuove direzioni; ha debuttato con nuovi dipinti alla galleria londinese di David Zwirner, con una mostra vivace che ha aperto durante la settimana di Frieze. I lavori hanno richiamato l’intera storia dell’arte, alludendo ai profondi pregiudizi strutturali nei confronti degli artisti neri e alla natura del mercato dell’arte, ma anche sperimentando pura astrazione e dipinti di scene silenziosamente ultraterrene di persone comuni che fanno cose quotidiane, come una donna che porta a spasso il cane…”
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Adrian Piper (1948, New York) – Sede: Berlino

Ritratto di Adrian Piper di Suzanne Kreiter / The Boston Globe tramite Getty Image

“L’arte di Adrian Piper può essere un’esperienza di profondo disagio, forse intenzionalmente. Nel corso di diversi decenni, Piper ha aggredito, incitato e portato la definizione all’essenza del razzismo americano, delle divisioni di classe e della misoginia attraverso interpretazioni provocatorie, installazioni e opere bidimensionali, nonché con i suoi scritti e insegnamenti. È anche una filosofa molto esperta, con le filosofie orientali e il lavoro di Kant che incombe su tutta la sua pratica. Quest’anno, Piper è stato il primo artista vivente nella storia del Museum of Modern Art a ricevere l’intero sesto piano dell’istituzione per una retrospettiva tentacolare…”
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Alex Da Corte (1980, Camden, New Jersey) – Sede: Philadelphia

Alex Da Corte in Philadelphia, August 2014. Photo by Matthew Leifheit. Vice Magazine.

“Le meravigliose installazioni di Alex Da Corte incorporano elementi di design, architettura, film e scultura per creare Dayland. L’artista con sede a Philadelphia ha iniziato il 2018 con uno show invernale alla galleria Karma di New York. Persino il titolo della mostra, “CAT Spells Murder”, prometteva un sacco di divertimento irriverente. La mostra era qualcosa di un ossimoro: un’esca riflessiva per Instagram. Nel bel mezzo di una stanza intrisa di luce rosata, Da Corte ha posizionato un grosso gatto arancione fatto di schiuma e velluto. Questo centrotavola felino è stato compensato da una serie di sculture e rivestimenti in vinile che hanno trasformato motivi semplici – una torta sul davanzale di una finestra, una ragnatela – in una segnaletica seducente…”
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Wolfgang Tillmans (1968, Remscheid, Germania) – Sede: Berlino e Londra

Wolfgang Tillmans

“Uno dei più grandi poeti visivi di una generazione, Wolfgang Tillmans impiega la macchina da presa per tessere vignette liriche e che affermano la vita in fotografie che mostra in modalità intuitive. Alcuni di questi possono sembrare banali – un’erbaccia che si radica tra due pietre del selciato, un paio di uomini che si stagliano, un’onda crestante – ma rendono semplici momenti e dettagli nell’ambiente costruito, struggente e commovente, persino trascendente.
Sulla scia delle sue importanti mostre di rilievo tenutesi alla Tate Modern e Fondation Beyeler lo scorso anno, nel 2018, Tillmans ha tenuto delle personali a Hong Kong (al nuovo avamposto asiatico di David Zwirner ) e al Musée d’Art Contemporain et Multimédias di Kinshasa, Democratic Repubblica del Congo (la sua prima mostra in Africa). Ha anche vinto il premio tedesco Goslar per l’arte, ha pubblicato un EP con il musicista elettronico Powell (Tillmans è un veterano DJ), ha partecipato a una mostra personale nello spazio Zwirner di New York…”
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Charline von Heyl (1960, Mainz, Germania) – Sede: New York e Marfa, in Texas

The artist Charline von Heyl Photo by Ralph Mecke/Courtesy of Petzel, New York

“L’aspetto più notevole dei dipinti di Charline von Heyl è quanto possano essere eclettici e contrari, come attestato da una personale esposizione alla Petzel Gallery di New York quest’anno. L’artista tedesca, che ora divide il suo tempo tra New York e Marfa, in Texas, ha trascorso gli ultimi tre decenni della sua carriera consapevolmente evitando uno stile coerente e riconoscibile. Eppure, “quando vedi Charline von Heyl, sai che è il suo lavoro”, ha detto Evelyn C. Hankins, co-curatrice dell’indagine di metà carriera dell’artista “Snake Eyes” al Museo Hirshhorn di Washington, che è fino al 27 gennaio 2019…”
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Charles White (1918, Chicago, Illinois – 1979, Los Angeles)

Charles White

“Disegnatore, stampatore e pittore virtuosistico, Charles White prestò il suo stile meticoloso a rappresentazioni potentemente dignitose di afroamericani storici e viventi. Il suo sostenitore più famoso potrebbe essere il venerato pittore Kerry James Marshall, che ha studiato con l’artista presso l’Otis Art Institute della contea di Los Angeles negli anni ’70. “Era una specie di padre spirituale per molti di noi”, ha commentato Marshall in “A Black Artist Named White”, un saggio personale incluso nel catalogo per la più grande mostra dell’artista più recente fino ad oggi: una retrospettiva che ha viaggiato dall’Istituto d’arte di Chicago (la sua città natale) al Museum of Modern Art, dove è visibile fino al 13 gennaio 2019. (Lo spettacolo arriva al Los Angeles County Museum of Art il prossimo febbraio)…”
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John Bock (1965, Schenefeld, Germania) – Sede: Berlino

John Bock

“Con un debole per il grottesco, John Bock intraprende progetti intensi e pluriennali che combinano film, performance, disegno e scultura. La sua estetica da commedia horror condivide un’affinità con artisti come Paul McCarthy o il compianto Mike Kelley. Eppure è anche un camaleonte stilistico, desideroso di citare vari generi e momenti della storia del cinema, dall’espressionismo tedesco a Quentin Tarantino allo stereotipo del western americano. Non sarebbe sbagliato pensare a Bock come a una specie di B-movie Matthew Barney, che crea universi altrettanto ermetici e selvaggi che attraversano i media (ma con molto più senso dell’umorismo).
Il 2018 ha portato una serie di mostre per l’artista, tra cui “Dead + Juicy” alla Galleria Anton Kern di New York, che ha aperto, molto appropriatamente, su Halloween…”
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Kehinde Wiley (1977, Los Angeles, California) – Sede: New York

Kehinde Wiley

“Quando gli artisti Kehinde Wiley e Amy Sherald hanno svelato i ritratti ufficiali degli Obamas all’inizio di quest’anno, hanno ricevuto un’accoglienza entusiasmante. Raramente un ritratto presidenziale ha ricevuto tanto clamore. Era la prima volta che artisti afroamericani venivano selezionati per rappresentare il presidente e la first lady, ed entrambi gli artisti hanno fatto centro. Rompendo dalla più rigida e noiosa convenzione di ritrattistica che caratterizza i ritratti presidenziali di un tempo, Wiley ha rappresentato Barack Obama contro uno sfondo iperrealistico e abbondante di viti e fiori.
L’artista ha, per circa 17 anni, piazzato con orgoglio neri americani ordinari nella storia dell’arte, spesso soggetti di “street casting”, collocandoli in quelli che sono stati definiti “ritratti di potere” che evocano lo stile sontuoso e la tradizione degli aristocratici canonizzanti e politici nella ritrattistica europea. Per questa commissione di altissimo profilo, Wiley ritrae Barack Obama sporgendosi leggermente in avanti su una sedia di legno, le braccia incrociate e circondato – quasi consumato – da un folto intrico di rampicanti. È impegnato e vigile, come se stesse rimuginando o ascoltando intensamente le parole dei suoi consiglieri…”
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Andrea Fraser (1965, Billings, Montana) – Sede: Los Angeles

Andrea Fraser

“Per secoli, la cultura è stata patrocinata da elite facoltose, alcune delle cui fortune sono state costruite da industrie eticamente discutibili, ma a quale costo? In un momento di profonda divisione politica in America, tali rapporti sono stati sempre più scrutinati, di recente con Warren B. Kanders, vicepresidente del consiglio del Whitney Museum, che viene messo sotto fuoco per il suo legame con il gas lacrimogeno che viene sparato ai richiedenti asilo. Confine USA-Messico. (Kanders possiede Safariland, una società che produce munizioni, inclusi i gas lacrimogeni). Quindi, la pubblicazione di quest’anno dell’esplorazione tonica di Andrea Fraser delle donazioni politiche dei membri del consiglio istituzionale nelle elezioni presidenziali del 2016, è particolarmente tempestiva e urgente….”
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Wu Tsang (1982, Worcester, Massachusetts) – Sede: Los Angeles

Wu Tsang

“I film incantati dal realismo magico di Wu Tsang collocano una lente fantastica su storie che sono state trascurate: le comunità che mettono radici nei club e nei bar sotterranei; strane storie d’amore; e narrazioni di artisti che si sforzano di mantenere la libertà creativa in mezzo all’oppressione. Nel suo film più conosciuto e selvaggio , Wildness (2012), Tsang dà voce (letteralmente) allo storico bar gay di Los Angeles, Silver Platter, nel MacArthur Park, a lungo un punto di incontro per i Latinos e, più recentemente, per gli artisti LGBT…”
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Forensic Architecture (Fondato nel 2010) – Sede: Londra

Ritratto del team di Forensic Architecture. Per gentile concessione di Forensic Architecture.

“A Documenta nel 2017, un’installazione nell’angolo della Neue Neue Galerie di Kassel, in Germania, attirò una folla costante e rapita. I visitatori hanno visto un video che ricreava la scena di un crimine – l’uccisione razzista di un uomo di nome Halit Yozgat, che è stato assassinato da un membro del gruppo neo-nazista National Socialist Underground in un internet café a Kassel il 6 aprile 2006. Collaborando con la Society of Friends of Halit e utilizzando una combinazione di ricerche, simulazioni e rendering architettonici, un collettivo noto come Forensic Architecture ha messo insieme gli eventi che hanno avuto luogo il giorno in cui è stato colpito. Cosa c’entra il percorso verso la giustizia con l’arte, ci si potrebbe chiedere? …”
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Via artsy.net